La musica non riempie lo spazio, lo attraversa” — intervista a Jongmin Lee (Oslated / Huinali Recordings)

11.08.2026 - Interview

Da Seoul a Bologna: RMR Radio incontra Jongmin Lee, fondatore di Oslated e Huinali Recordings, nell’anno in cui l’etichetta coreana festeggia il suo decimo anniversario.

A raccontarci la storia dietro le quinte è Jongmin Lee, fondatore di Oslated — etichetta nata nel 2016 — e della sua sub-label Huinali Recordings. Nel 2026 Oslated compie dieci anni. Abbiamo parlato con lui di viaggi, struttura, radio indipendenti e di cosa significhi, oggi, gestire una label senza inseguire il consenso del presente.

Da Seoul a Berlino: la scintilla di Oslated

RMR Radio: Cosa ti ha spinto a fondare Oslated e Huinali Recordings?

Jongmin Lee: Il digging e la passione per generi diversi arrivano dai tempi della scuola. Ho iniziato a dedicarmi seriamente alla musica al liceo, l’ho studiata all’università e ho prestato servizio in una banda militare. Dopo, è arrivata la fascinazione per la musica elettronica, che mi ha portato a unire DJing e produzione.

Dopo anni di attività nella scena di Seoul, ho visitato l’Europa per la prima volta a metà dei miei trent’anni. Ho trascorso periodi prolungati in diverse città, tra cui Berlino, vivendo in prima persona un’ampia varietà di eventi e cultura musicale locale — un’esperienza che è diventata per me una fonte di ispirazione profonda.

Ciò che mi ha colpito più di tutto è stato vedere persone molto più giovani di me gestire attivamente le proprie etichette, occuparsi di promozione e organizzare eventi per costruire proattivamente la propria carriera.

Tornato in Corea, quell’ispirazione mi ha portato a fondare la mia etichetta, e nel 2016 è nata Oslated. In seguito, per allargare il nostro spettro musicale, ho fondato la sub-label Huinali Recordings. E quest’anno, il 2026, Oslated festeggia il suo decimo anniversario.

Non è un caso che il racconto parta da un viaggio e non da un’idea astratta di musica. È un’etichetta nata dal vedere altri fare, prima ancora che dal voler dire qualcosa.

Struttura, non emozione: come si gestisce una label

RMR Radio: C’era un vuoto emotivo o artistico che stavi cercando di colmare?

Jongmin Lee: Sinceramente, avendo continuato a collezionare dischi insieme alla mia attività musicale fin da giovane, non si trattava di colmare un vuoto emotivo o artistico personale.

Piuttosto, ho trovato pura esaltazione nel processo stesso di scoprire artisti locali nascosti e talentuosi, a Seoul e all’estero. Ho capito che questo ruolo si adattava molto bene alle mie qualità, e guardando indietro oggettivamente, sono orgoglioso di ciò che abbiamo ottenuto.

Ho imparato una lezione preziosa: concentrarsi su ciò in cui si è davvero bravi è molto più efficace che inseguire semplicemente ciò che si ama, e ho applicato esattamente questa prospettiva alla gestione dell’etichetta.

In altre parole, non volevo giustificare il mio lavoro con vaghe nozioni di emozione o artisticità. Il mio focus era rigorosamente su un approccio strutturale e operativo. Questo non significa uniformare il suono, ma mantenere una coerenza perfetta nella missione e nei valori fondamentali dell’etichetta.

“I didn’t want to rationalize what I do with vague notions of emotion or artistry. My focus was purely on a structural and operational approach.”

L’identità visiva di Oslated e Huinali: il credito va agli artisti

RMR Radio: Le tue release danno un’impressione molto visiva e cinematica: immagini, paesaggi, cinema influenzano la tua curation?

Jongmin Lee: Personalmente prediligo forme d’arte multistrato e articolate, ma su questo aspetto voglio dare credito a chi se lo merita.

Il lato visivo lo dobbiamo interamente ai nostri designer: Clément Davout cura l’artwork di Oslated, mentre Javier Marimon quello di Huinali Recordings.

Sul lato musicale, invece, gli elementi visivi e cinematici sono interamente merito delle capacità e del talento degli artisti coinvolti.

Il mio ruolo resta rigorosamente limitato alla curation, il che si ricollega direttamente all’approccio strutturale di cui parlavo prima. Le sfumature cinematiche che ne derivano naturalmente sono interamente frutto del lavoro degli artisti.

Detto questo, prendo molto sul serio il carattere tonale del processo di mastering. Conduciamo ricerche e discussioni approfondite con gli artisti per definire il suono finale di ogni release, e ci confrontiamo da vicino con i mastering engineer.

Come si scoprono i nuovi artisti

RMR Radio: Come lavori di solito alla scoperta di nuovi talenti?

Jongmin Lee: Non c’è nessun metodo speciale, e non ho alcun interesse ad assumere un atteggiamento autoritario o a fingermi eccessivamente rigoroso. Onestamente, è praticamente lo stesso approccio di qualsiasi altra etichetta. Vado io stesso a cercare musica e contatto direttamente gli artisti, esamino le demo in arrivo e decido se approvarle, e accolgo anche consigli da altri.

Una cosa va detta: essendo un’etichetta con base in Corea e nell’Asia orientale, fin dalla fondazione ci siamo impegnati con costanza a dare priorità alla scoperta di talentuosi artisti locali coreani. Quel focus si è poi naturalmente esteso a tutta l’Asia, e infine al mondo intero.

Il catalogo che abbiamo costruito in questi dieci anni è il risultato di quello sforzo. Più che parlare di grandi numeri o traguardi, preferisco lasciare che sia il percorso stesso, il catalogo, a parlare.

Genere, spettro, atmosfera: cosa conta davvero nella selezione

RMR Radio: Quanto conta l’atmosfera rispetto al genere nella tua selezione?

Jongmin Lee: Onestamente, do molta più importanza a quello che ho già menzionato — lo “spettro” — piuttosto che alla parola “genere”.

Per quanto riguarda “atmosfera” o “vibe”, con il passare del tempo e con l’età sono diventato progressivamente meno interessato a questi concetti. Sono elementi estremamente soggettivi, e non trovo particolare interesse nel definirli oggettivamente. Sono convinto che imporre queste distinzioni finisca solo per rendere un ambiente chiuso e rigido.

Se c’è una cosa che voglio sottolineare sulla musica, è questa:

“Music isn’t about filling space; it’s a way of passing through time.”

La musica non è fatta per riempire lo spazio, ma è un modo di attraversare il tempo.

Oslated come archivio, piattaforma e narrazione

RMR Radio: Vedi la label più vicina a un archivio, una piattaforma o una narrazione in evoluzione?

Jongmin Lee: È una domanda molto acuta, e mi tocca profondamente. Vedo la label come portatrice di tutte e tre queste caratteristiche insieme, ed è proprio questo che mi spinge a continuare a gestirla.

In parole semplici, più che cercare un’approvazione immediata, voglio che la label venga giudicata dalla prossima generazione — futuri artisti, ascoltatori, critici. È questo ciò che spero davvero.

La scena underground e il PLUR

RMR Radio: Come è cambiata la scena underground intorno a te negli ultimi anni?

Jongmin Lee: Purtroppo non posso né essere d’accordo né prendere parte alla tendenza della scena underground ad accontentarsi della stagnazione, scambiandola per essere “cool”. Manterrò breve la mia risposta su questo.

Se mai, preferirei rigirare la domanda alla scena stessa: non è forse PLUR — Peace, Love, Unity, Respect — la vera definizione di underground?

Radio indipendenti, università e il modello R.E.M.

RMR Radio: Che ruolo pensi abbiano oggi radio e label indipendenti nel costruire comunità significative attorno alla musica?

Jongmin Lee: Credo che abbiano un ruolo assolutamente cruciale. Di fatto, metto radio e label indipendenti al di sopra di tutto il resto, come priorità assoluta.

Avendo già condiviso i miei pensieri sulle label, voglio sottolineare il profondo rispetto che ho per la passione e la dedizione delle radio indipendenti.

In un’epoca dominata dai moderni media streaming, il numero di persone che ascoltano trasmissioni radiofoniche, in qualsiasi formato, sta chiaramente diminuendo a livello globale. Ciononostante, credo che il romanticismo che la radio offre sia davvero bello e nobile.

Nello specifico, una delle nostre missioni è sostenere i dipartimenti legati alla musica nelle università di tutto il mondo, così come le stazioni radio, e per estensione gli stessi studenti universitari. Sono sempre stato profondamente ispirato dalla storia della band rock R.E.M., che ha ottenuto grande popolarità negli Stati Uniti grazie alla programmazione costante nelle radio universitarie e al passaparola spontaneo. Credo fermamente che i gusti e le passioni degli studenti universitari continuino a giocare un ruolo decisivo nel plasmare il futuro della musica.

È la stessa idea che muove RMR Radio dalla Bolognina: costruire spazi indipendenti dove la musica trovi ascolto oltre le logiche degli algoritmi.

Seoul e la scena culturale giapponese

RMR Radio: Ci sono città, scene o movimenti culturali che ti ispirano particolarmente in questo momento?

Jongmin Lee: Essendo coreano e con base in Corea, e con le radici della label qui, monitoro, studio e analizzo costantemente il mercato coreano, inclusa la scena di Seoul.

Oltre a questo, c’è la scena culturale e artistica giapponese, Tokyo inclusa, che ho sempre rispettato e che, onestamente, ho anche un po’ invidiato.

Sui movimenti culturali potrei dilungarmi troppo, quindi preferisco restare breve: credo di aver già toccato la maggior parte di questi temi nelle risposte precedenti.

Cosa manca oggi alla musica

RMR Radio: Cosa stai cercando nella musica di oggi che ti sembra sempre più raro?

Jongmin Lee: “Romance, poetry, and soul.”

Romanticismo, poesia, anima.

Tre parole, nessuna spiegazione ulteriore. E forse è proprio lì, in quella brevità, che si condensa tutta la filosofia di un’etichetta che in dieci anni ha scelto di lasciar parlare la musica più delle definizioni.

Da Seoul alla Bolognina: due scene, uno stesso istinto

Seoul e Bologna non condividono una storia comune, ma condividono un istinto: quello di costruire spazi indipendenti — etichette, radio, community — partendo da una scelta precisa più che da un vuoto da colmare. È lo stesso istinto che muove RMR Radio dalla Bolognina, la stessa che racconta il pezzo su Bologna Underground: frequenze sotterranee dagli anni Novanta a oggi.

Ad accompagnare questa intervista, il guest mix FOG Korea, firmato da Recy e FOG (Gilles Barberis & Effe), interamente dedicato al catalogo Oslated / Huinali Recordings. Tutti i set del palinsesto sono disponibili nell’archivio di RMR Radio.

Tracklist FOG Korea: dieci anni di Oslated e Huinali Recordings

Selection: Oslated & Huinali Recordings

Piantevive — Clorofilla [2025 / Oslated]
Moon Patrol — Goyo [2026 / Oslated]
Sanjib — Angel’s Entrance [2025 / Huinali]
Vâyu — 우주농담 Cosmic Joke [2026 / Oslated]
Night Sea — w510 [2025 / Huinali]
Doltz — Kemuri [2025 / Huinali]
Olorun — Optical Node [2026 / Oslated]
Adhémar — Touching The Clouds [2025 / Oslated]
Saša Delimar — Too Far Away [2025 / Huinali]
Night Sea — Park St [2026 / Oslated]
Aspetuck — To Catch A Falling Leaf [2025 / Oslated]
Sanjib — Distant Communication [2019 / Oslated]
Racco — 0b [2019 / Huinali]
Saphileaum — Imaginatio [2026 / Oslated]
Oreste — Night Thoughts [2026 / Oslated]

Recy — Guest mix

Material Things / Pike — Drums for Menelik (Intertoto Remix) [2024 / 12th Isle]
Elle — Guardarsi Indietro [2019 / Oslated]
Mown — Patience [2021 / Circular Limited]
ena b. — Liminal [2026 / Secuencias Temporales]
Marco Shuttle — I Fail. You Fall. [2017 / Spazio Disponibile]
Robert Istoc — Experience [2026 / Qilla Records]
Adam Pits — Plateau [2026 / Fur:ther Sessions]
djfix & Jek — Coyote Club (Human Space Machine Remix) [2025 / Earth Dog]
Solarhythm & Klara — Fragmentation Reality [2021 / Annulled Music]
Dåggěr — Drift [2022 / QEONE]
John Plaza — Azulejo [2026 / Liquid Drop Groove]
Batu & Donato Dozzy — Drift [2026 / !K7 Records]
Shoal — Median [2025 / Animalia]
Priori — Sub Lux (Sansibar Remix) [2024 / Kalahari Oyster Cult]
Temple Rat — Cloud Ladder 雲梯 [2026 / Buttheads]
Biocym — Aeriform (w/ SHFT) [2026 / space•lab]
Lyder — Helichrysum [2022 / Jazz-o-Tech]
yingtuitive — blue [2025 / Third Place]

RMR Radio — Radio Magnetic Resonance, la web radio indipendente di Bologna — quartiere Bolognina

www.rmrlive.com

🇬🇧English version

— What was the motivation behind founding Oslated and Huinali Recordings?

I’ve been collecting and digging into all kinds of genres of music since my school years. I started pursuing music seriously in high school, majored in it at university, and served in a military band.

Afterward, I became fascinated with electronic music, which led me to combine DJing with some production work.

After years of activity in the Seoul scene, I visited Europe for the first time in my mid-thirties. I spent extended periods in several cities, including Berlin, experiencing a wide range of performances and local music culture firsthand, which became a profound source of inspiration for me.

What struck me most deeply was seeing people much younger than myself actively running labels, handling promotion, and organizing events to proactively build their own careers.

After returning to Korea, that inspiration led me to found my own label, and Oslated was born in 2016.

Later, to broaden our musical spectrum, I founded the sub-label Huinali Recordings. And this year, 2026, Oslated is celebrating its 10th anniversary.

— Was there a specific emotional or artistic void you were trying to fill?

To be honest, since I had been consistently collecting records alongside my musical activities since I was young, it wasn’t about filling a personal emotional or artistic void.

Rather, I found pure exhilaration in the process itself of discovering hidden, talented local artists in Seoul and abroad. I realized this role suited my strengths very well, and looking back objectively, I feel proud of what we’ve achieved.

I learned a valuable lesson: focusing on what you’re actually good at is far more effective than simply chasing what you like, and I applied this exact perspective to running the label.

In other words, I didn’t want to justify my work with vague notions of emotion or artistry. My focus was strictly on a structural and operational approach. This doesn’t mean standardizing the sound, but rather maintaining perfect consistency in the label’s mission and core values.

— Your releases give a very visual and cinematic impression. Do visuals, landscapes, or film influence your curation?

Personally, I favor multi-layered, comprehensive art forms, but I want to give credit where it’s due for this aspect.

The visual side owes everything to our dedicated designers. Clément Davout handles Oslated’s artwork, while Javier Marimon handles Huinali Recordings’.

And on the musical side, the visual and cinematic elements are entirely thanks to the capabilities and talent of the participating artists.

My role is strictly limited to curation, which connects directly to the structural approach I mentioned earlier. The cinematic nuances that naturally follow are entirely the artists’ achievement.

That said, I take the tonal character of the mastering process very seriously. We conduct extensive research and discussion with artists to finalize the sound of each release, and consult closely with mastering engineers.

— How do you usually go about discovering artists?

There’s no special method, and I have no interest in taking an authoritative stance or pretending to be overly strict. Honestly, it’s pretty much the same as any other label. I dig for music myself and reach out directly, review incoming demos and decide whether to approve them, and also take recommendations from others.

One thing worth mentioning: as a label based in Korea and East Asia, we’ve continuously made an effort since our founding to prioritize discovering talented local Korean artists first. That focus naturally expanded across Asia, and eventually worldwide.

That said, the catalogue we’ve built over the past ten years is the result of that effort. Rather than talking about grand numbers or achievements, I’d rather let the trajectory and the record itself speak for it.

— How important is atmosphere compared to genre in your selection process?

Honestly, I place far more importance on what I mentioned earlier — “spectrum” — than on the word “genre.”

As for “atmosphere” or “vibe,” as time has passed and I’ve gotten older, I’ve gradually come to care less about them. These elements are highly subjective, and I don’t find much interest in defining them objectively. I’m convinced that forcing these distinctions only makes an environment closed-off and rigid.

If there’s one thing I want to emphasize about music, it’s this: “Music isn’t about filling space, but a way of passing through time.”

— Do you see the label as closer to an archive, a platform, or an evolving narrative?

That’s a very sharp question, and it resonates deeply with me. I see the label as having all three of these characteristics at once, and that’s precisely what drives me to keep running it.

Simply put, rather than seeking immediate validation, I want the label to be judged by the next generation — future artists, listeners, and critics. That is what I truly hope for.

— How has the underground scene around you changed in recent years?

Unfortunately, I can neither agree with nor take part in the underground scene’s tendency to settle into stagnation and mistake that for being “cool.” I’ll keep my answer to this brief.

If anything, I’d rather turn the question back to the scene: isn’t the true definition of underground PLUR — Peace, Love, Unity, Respect?

— What role do you think independent radio and labels play today in building meaningful communities around music?

I believe they play an absolutely crucial role. In fact, I place independent radio and labels above everything else as my top priority.

Since I’ve already shared my thoughts on labels, I want to emphasize my deep respect for the passion and dedication of independent radio.

In an era dominated by modern streaming media, the number of people listening to radio broadcasts, in any format, is clearly declining worldwide. Even so, I believe the romance that radio offers is truly beautiful and noble.

Specifically, one of our missions is to support music-related departments at universities worldwide, as well as radio stations, and by extension, university students themselves. I’ve always been deeply inspired by the story of the rock band R.E.M., who gained widespread popularity across the US through continuous airplay on college radio stations and organic word of mouth. I firmly believe that the tastes and passions of university students continue to play a decisive role in shaping the future of music.

— Are there any cities, scenes, or cultural movements that inspire you most right now?

Since I’m Korean and based in Korea, and the label’s roots are here as well, I’m always monitoring, researching, and analyzing the Korean market, including the Seoul scene.

Beyond that, it’s Japan’s cultural and artistic scene, including Tokyo, which I’ve always respected and, honestly, envied at the same time.

As for cultural movements, going into that would make this answer far too long, so I’d like to keep it brief. I believe most of my thoughts on that have already been covered above.

— What are you currently searching for in music that you feel is becoming increasingly rare?

Romance, poetry, and soul.

Jongmin Lee, Oslated.

🇰🇷Korean version

— Oslated 와 Huinali Recordings 를 설립하게 된 계기는 무엇인가요?

학창 시절부터 다양한 장르의 음악을 수집하고 디깅해 왔습니다. 고등학교 때부터 본격적으로 음악을 시작해 대학에서 전공했고, 군악대에서 복무했습니다.
이후 일렉트로닉 음악에 매료되어 디제잉과 일부 프로덕션을 병행하게 되었습니다.

서울 씬에서 수년간 활동을 이어오다 30대 중반에 처음으로 유럽을 방문했습니다. 베를린을 포함한 여러 도시에서 장기간 체류하며 다양한 공연과 현지 음악 문화를 직접 경험했고, 이는 제게 깊은 영감이 되었습니다.
특히 저보다 훨씬 어린 친구들이 주도적으로 레이블을 운영하고, 프로모션을 진행하며, 이벤트를 기획하여 자신의 커리어를 능동적으로 개척해 나가는 모습이 매우 인상적이었습니다.

한국으로 돌아온 후 그 영감을 바탕으로 자체 레이블을 설립했고, 2016년 Oslated 가 탄생했습니다.
이후 음악적 스펙트럼을 넓히기 위해 서브 레이블인 Huinali Recordings 를 추가로 설립했습니다. 그리고 올해 2026년, Oslated 는 10주년을 맞이했습니다.

— 채우고자 했던 특정한 감정적 또는 예술적 공백이 있었나요?

솔직히 말씀드리면, 어린 시절부터 음악 활동과 더불어 레코드 수집을 꾸준히 병행해 왔기에 개인적인 감정이나 예술적 공백을 채우기 위한 목적은 아니었습니다.

그보다는 서울 및 해외의 숨은 실력파 로컬 아티스트들을 발굴하는 과정 자체에서 순수한 희열을 느꼈습니다. 이러한 역할이 제 강점과 매우 잘 맞는다는 것을 깨달았고, 객관적으로 돌아보았을 때 우리가 이뤄낸 성과에 대해 자부심을 느낍니다.

단순히 좋아하는 일을 쫓는 것보다 자신이 실제로 잘하는 것에 집중하는 것이 훨씬 효과적이라는 귀중한 교훈을 얻었고, 이 관점을 레이블 운영에 그대로 적용했습니다.

다시 말해, 제 활동을 모호한 감정이나 예술성이라는 개념으로 정당화하고 싶지 않았습니다. 제 초점은 철저히 구조적이고 운영적인 접근에 있었습니다.

이는 사운드를 규격화 하겠다는 의미가 아니라, 레이블의 미션과 핵심 가치에서 완벽한 일관성을 유지하겠다는 뜻입니다.

— 발매작들이 매우 시각적이고 시네마틱한 느낌을 줍니다. 비주얼, 풍경, 영화 등이 큐레이션에 영향을 미치나요?

개인적으로 다층적이고 종합적인 예술 형태를 선호하지만, 이 부분은 공헌을 한 당사자들에게 공을 돌리고 싶습니다.

비주얼 측면은 전속 디자이너들 덕분입니다. Oslated 의 아트워크는 Clément Davout 가, Huinali Recordings 는 Javier Marimon 이 담당하고 있습니다.
그리고 음악 측면에서의 시각적·시네마틱한 요소는 전적으로 참여 아티스트들의 역량과 재능 덕분입니다.

제 역할은 철저히 큐레이션에 한정되며, 이는 앞서 언급한 구조적 접근과 직결됩니다. 자연스럽게 수반되는 시네마틱한 뉘앙스는 온전히 아티스트들이 이뤄낸 결과물입니다.
다만, 마스터링 과정에서의 톤 특성 (Tonal character) 은 매우 중요하게 다룹니다. 각 발매작의 최종 사운드를 완성하기 위해 아티스트와 광범위한 연구 및 논의를 거치고, 마스터링 엔지니어와 밀접하게 협의합니다.

— 아티스트는 주로 어떤 방식으로 발굴하나요?

특별한 방식은 없으며, 권위적인 태도를 취하거나 엄격한 척 포장하고 싶지 않습니다. 글쎄요, 다른 레이블들과 거의 동일합니다.
직접 음악을 디깅하여 접촉하거나, 들어오는 데모를 검토하고 승인여부를 내리며, 또한 타인의 추천을 받습니다.
한 가지 짚고 넘어가자면, 한국 및 동아시아에 기반을 둔 레이블로서 설립 초기부터 실력 있는 한국 로컬 아티스트들을 우선적으로 발굴하고자 지속적으로 노력해 왔습니다.
그 단위가 자연스럽게 아시아 전역으로, 나아가 전 세계로 확장된 것입니다.

다만, 지난 10년간의 카탈로그가 그 노력의 결과물입니다. 거창한 수치나 성과를 말하기보다는, 그저 지나온 궤적과 기록 자체로 남겨두고 싶습니다.

— 셀렉션 과정에서 장르와 비교했을 때 분위기 (Atmosphere) 는 얼마나 중요한가요?

솔직히 말씀드리면, ‘Genre’ 라는 단어보다는 앞서 언급한 ‘Spectrum’ 을 훨씬 더 중요하게 생각합니다.

‘Atmosphere’ 나 ‘Vibe’ 의 경우, 시간이 흐르고 나이가 들면서 점차 신경 쓰지 않게 되었습니다. 이러한 요소들은 매우 주관적이며, 이를 객관적으로 규정하는 데 큰 흥미를 느끼지 못합니다.
이러한 구분을 강요하는 것은 환경을 폐쇄적이고 경직되게 만들 뿐이라고 확신합니다.

음악에 대해 굳이 강조하고 싶은 점이 있다면, “음악은 공간을 채우는 것이 아니라 시간을 통과하는 방식” 이라는 점입니다.

— 레이블을 아카이브, 플랫폼, 혹은 진화하는 서사 중 무엇에 더 가깝다고 보시나요?

매우 날카로운 질문이며 깊이 공감합니다. 저는 레이블이 이 세 가지 성격을 모두 가지고 있다고 보며, 이것이 레이블을 계속 운영하게 하는 원동력입니다.
단적으로 말해, 당장의 평가보다는 다음 세대, 즉 미래의 아티스트, 리스너, 평론가들에게 평가받는 레이블이 되기를 바랍니다. 그것이 제가 진정으로 바라는 바입니다.

— 최근 몇 년간 주변 언더그라운드 씬은 어떻게 변화했나요?

안타깝게도, 변화하지 않는 것에 안주하며 그 정체를 ‘멋’ 으로 착각하는 언더그라운드 씬의 태도에는 동의할 수도, 참여할 수도 없습니다. 이 질문에 대한 답은 줄이겠습니다.

글쎄요. 오히려 씬에게 되묻고 싶은것은 언더그라운드의 진정한 정의는 PLUR (Peace, Love, Unity, Respect) 아니겠습니까?

— 오늘날 음악을 중심으로 의미 있는 커뮤니티를 형성하는 데 있어 독립 라디오와 레이블은 어떤 역할을 한다고 보시나요?

절대적으로 중요한 역할을 한다고 믿습니다. 실제로 저는 독립 라디오와 레이블을 다른 무엇보다 최우선 순위에 두고 있습니다.

레이블에 대한 생각은 앞서 밝혔으므로, 독립 라디오의 열정과 헌신에 대한 깊은 존경을 강조하고 싶습니다.
현대 스트리밍 미디어가 지배하는 시대에, 형태를 막론하고 라디오 방송을 청취하는 인구는 전 세계적으로 분명 감소하고 있습니다. 그럼에도 불구하고 라디오가 제공하는 낭만은 참으로 아름답고 고결하다고 생각합니다.

구체적으로, 저희의 미션 중 하나는 전 세계 대학의 음악 관련 학과와 라디오 방송국, 나아가 대학생들을 지원하는 것입니다.
저는 대학 라디오 방송국들을 통한 지속적인 송출과 자연스러운 입소문으로 미국 전역에서 대중적 인기를 얻었던 록 밴드 R.E.M. 의 역사에서 항상 큰 영감을 받아왔습니다.
대학생들의 취향과 열정이 음악의 미래를 형성하는 데 결정적인 역할을 한다고 강력히 믿습니다.

— 현재 가장 영감을 주는 도시, 씬, 또는 문화적 움직임이 있나요?

한국인이자 한국에 기반을 두고 있고, 레이블의 뿌리 또한 이곳에 있기 때문에 항상 서울 씬을 포함한 한국 시장을 모니터링하고 연구 및 분석하고 있습니다.
그 외에는, 늘 존경하면서도 한편으론 부러워했던 도쿄를 비롯한 일본의 문화·예술 씬입니다.

문화적 움직임에 대해 이야기하자면 내용이 너무 길어질 것 같아 간략히 정리하고자 합니다. 이에 대한 제 생각의 대부분은 이미 위에서 다루어졌다고 봅니다.

— 음악에서 점점 희귀해지고 있다고 느끼며, 현재 찾고 있는 요소는 무엇인가요?

낭만 (Romance), 시적 감성 (Poetry), 그리고 영혼 (Soul).